ИССЭЙ МИЯКЭ: ОРИГАМИ ОТ ГЕНИЯ

В России дизайнера Иссэй Миякэ знают прежде всего как автора одного их самых главных запахов 1990-х — L’eau d’Issey. Однако на этом его вклад в мировую культуру не заканчивается: этот изобретатель и исследователь одним из первых стал делать одежду из пластика и бамбука, а также предметы интерьера, вдохновленные оригами.

Рассказ о дизайнере Иссэй Миякэ невозможен без упоминания города его детства — Хиросима. Когда 6 августа 1945 года в финале мировой войны американцы сбросили на город ядерную бомбу, ему было семь лет. Его мать, школьная учительница, умерла от радиации спустя три года, а сам он выжил, хотя и остался навсегда хромым. В 1952-м в городе построили два моста — в память о трагедии их назвали «Жить» и «Умирать», но вскоре переименовали в более позитивном ключе — «Создавать» и «Идти». Балюстрады мостов сконструировал японо-американский архитектор и скульптор Исаму Ногути — мастер лаконичной и выразительной формы. Глядя на эти мосты по дороге в школу, юный Иссэй впервые осознал силу дизайна, его способность вызывать эмоции, дарить утешение и надежду. 

 

Однако выбрал он в итоге не архитектуру, а моду — увидел Vogue в комнате старшей сестры. Но одеждой он занялся не сразу — сначала Миякэ поступил на графического дизайнера в Университет искусств Тама в Токио. Его учеба пришлась на 1960-е — очень непростое, но оптимистичное для страны время

 

В 1964 году японцам впервые разрешили свободно выезжать за границу, и год спустя Миякэ поехал в Париж, чтобы посвятить себя моде. Когда в 1968 году в городе вспыхнули студенческие волнения (так называемая «парижская весна»), он работал в ателье Гая Лароша, но вскоре уехал в Нью-Йорк, чтобы поработать с американским модельером Джеффри Бином. Спустя пару месяцев на Манхэттене он, наконец, понял, какой должна быть мода будущего.

«Когда начались беспорядки, я воочию увидел начало новой эры — эры простого человека», — будет вспоминать потом дизайнер. Вдохновленный молодежным протестом, он загорелся желанием делать одежду для масс и стать частью дивного нового мира, чье пришествие он видел. При этом Миякэ понимал: чтобы конкурировать на международном уровне, недостаточно предложить новый цвет или покрой — нужна инновационная идея. Он должен придумать такую одежду, которую раньше даже нельзя было представить!

В итоге дизайнер вернулся в Токио и в 1970-м открыл собственную студию Miyake Design Studio. Посещая исторические районы Японии, сотрудничая с художниками и ремесленниками и вникая в суть традиционных технологий ткачества и окрашивания тканей, он исследовал возможности разных материалов и пришел к идее создания повседневной одежды, которая отвечает духу времени и сочетает в себе передовые технологии и традиционные ремесла его родной страны. Например, коллекция Pleats Please 1993 года появилась, когда Миякэ решил по-новому использовать привычную плиссировочную машину — сложенные с помощью термопресса складки навсегда оставались «в памяти одежды» и не разглаживались, а сами платья и юбки не мялись и занимали минимум места в гардеробе. Запущенная в 1997 году коллекция A-POC представляет собой уникальную концепцию: единый цикл производства моделей от начала и до конца на ткацком или вязальном станке с компьютерным управлением — идею подсмотрели на фабрике, производящей рыболовные сети. Другим фирменным приемом Миякэ стала работа с необычными материалами: дизайнер делал одежду из пластика, бумаги и проволоки, ротанга, бамбука.

Настоящим прорывом стала линия под названием «132 5» (2010): одежда для нее делается из ткани «тэйдзин» — специального полиэфирного волокна, которое получают из пластиковых бутылок и обрезков полиэстера. Такая ткань обычно жесткая и шуршащая, но Миякэ научился доводить волокно до совершенства — у него она мягкая и гибкая. 

 

Вообще в работе дизайнер всегда опирался на разработанную им концепцию «одного отреза ткани». При ее создании он исследовал фундаментальные отношения между телом, тканью, которая его покрывает, а также пространством, в котором они существуют, — и учитывал все это в дизайне. Так, в работе над коллекцией «132 5» он использует ткань, как мастера оригами — лист бумаги (1D), и создает трехмерные платья (3D), которые при желании складываются в плоский лист (2D), а при носке движутся в пространстве и во времени (5D).

Многие критики отмечают, что Миякэ подходит к своей работе скорее как промышленный дизайнер, нежели конструктор одежды. Через два года после запуска «132 5» он вновь обратился к теме оригами и создал серию светильников для известного итальянского бренда Artemide. Также сделанные из инновационного материала — переработанного пластика, внешне похожего на бумагу, эти люстры напоминают объемные трехмерные спирали — характеристики материала позволяют фигурам держать форму без какой-либо внутренней структуры. Другим источником вдохновения Миякэ стало знаменитое эссе писателя Дзюнъитиро Танидзаки «Похвала тени», который при описании различных структур, например золотого шитья или патины, к контрасту света и тени добавляет слоистые тона разновидностей теней и их интенсивности, чтобы дать большую выразительность объектам. В итоге светильники Миякэ вращаются под потолком, создавая ту самую игру света и тени, — настоящие живые скульптуры, архитектура в миниатюре. Впервые представленная на франкфуртской выставке Light + Building и на Salone del Mobile в Милане в 2012 году коллекция In-Ei Issey Miyake для Artemide собрала все мыслимые награды в области дизайна, включая престижную итальянскую премию Ассоциации промышленного дизайна Compasso d’Oro, и, что не менее важно, вошла в учебник по искусству для средней школы. Браво, маэстро!

 Светильник Mendori для итальянского бренда Artemide

Photo: Hiroshi Iwasaki

© 2012 Miyake Design Studio

Светильник Mogura для Artemide

Photo: Hiroshi Iwasaki

© 2012 Miyake Design Studio 

Текст: Ирина Костарева

ОПУБЛИКОВАНО В ЖУРНАЛЕ KIMONO №15, 2019